A lo largo de la historia del cine, los grandes cineastas han establecido sus estilos característicos, tanto que su trabajo es instantáneamente reconocible para los fanáticos e incluso para los cinéfilos más casuales. Para algunos directores, sus técnicas de escritura, material temático y elecciones de reparto son lo que hace que su trabajo se destaque del de sus compañeros.
A menudo, sin embargo, los grandes directores tendrán ciertas marcas comerciales visuales que emplean una y otra vez a lo largo de sus carreras, dando a sus películas un sello visual único que permite al público identificar sus películas de inmediato. Se trata de elecciones que van desde los movimientos de la cámara y la composición de las tomas hasta la elección del material de la película.
10 Spike Lee – El tiro de la plataforma rodante
El director Spike Lee ha trabajado en varios géneros a lo largo de su carrera, desde comedias románticas y dramas de guerra hasta documentales. Pero lo que todas las películas de Spike Lee tienen en común es que, al menos una vez en todas sus películas, un personaje se para sobre una plataforma rodante en movimiento y mira directamente más allá de la cámara mientras lo empujan hacia adelante. Esto crea un efecto surrealista en el que el personaje parece flotar sobre el suelo.
Todas las películas de Spike Lee tienen una calidad casera que es parte de su encanto, y esta marca registrada es un ejemplo perfecto del estilo característico de Lee en acción.
9 Akira Kurosawa – El efecto Wipe
El legendario cineasta japonés Akira Kurosawa fue pionero en el “efecto de borrado”, una transición entre imágenes. A diferencia de un corte tradicional, el efecto de barrido se produce cuando una barra se mueve por la pantalla, ocultando el primer disparo al revelar el segundo. Por supuesto, Kurosawa también usó cortes y disoluciones estándar, pero esta transición se convirtió en una marca registrada suya a lo largo de su carrera.
Más tarde se utilizó en películas de Hollywood, la más famosa en Star Wars Episodio IV: Una nueva esperanza. George Lucas ha citado durante mucho tiempo a Kurosawa como la principal influencia en él, por lo que es lógico que sus transiciones de efecto de borrado se hayan inspirado en Kurosawa.
8 Wes Anderson: tomas de seguimiento en cámara lenta con música pop
Wes Anderson es uno de los estilistas visuales más destacados del cine estadounidense. Abundan los ejemplos de sus característicos tiros de seguimiento en cámara lenta. A menudo van acompañadas de selecciones de bandas sonoras de música popular para agregar un toque cinematográfico a los momentos emocionales clave de sus películas.
Las escenas a menudo tienen una calidad de ensueño y también permiten a la audiencia asimilar por completo el elaborado diseño de producción, otra marca visual de sus películas por la que se ha hecho famoso a lo largo de los años.
7 Alfonso Cuaron – Elaborar tomas largas
El cineasta mexicano Alfonso Cuarón no es el único director conocido por sus largas tomas de seguimiento, pero lleva la sofisticación y complejidad de esta técnica a nuevas alturas. De 2006 Niño de hombre contiene dos secuencias de una sola toma extremadamente elaboradas, una en un automóvil y otra que sigue al personaje héroe a través de una zona de guerra.
Quizás lo más impresionante, sin embargo, es la apertura de 2013 Gravedad, que consiste en una toma de 12 minutos que lleva todo el primer acto de la película hasta que comienza la acción.
6 Stanley Kubrick – Composición simétrica
Stanley Kubrick ha realizado algunas de las películas más emblemáticas de finales del siglo XX. El resplandor contiene la mayoría de los ejemplos de composición de planos simétricos, ya que un tema de la película involucra espejos y reflejos (es decir, “Redrum” es “Asesinato” escrito al revés).
Pero abundan los ejemplos de simetría en la composición a lo largo de su filmografía, incluyendo 2001: A Space Odyssey, Full Metal Jacket, y Una Naranja Mecánica. Kubrick es uno de los estilistas visuales más meticulosos que jamás haya dirigido películas, por lo que su diseño simétrico y la composición de las tomas hacen que su trabajo sea reconocible al instante.
5 David Lynch – Objetos en movimiento
No hay cineasta más singular que David Lynch, cuyas películas a menudo tienen una calidad espeluznante y onírica creada por sus marcas comerciales visuales y audibles. Uno de los dispositivos que utiliza para crear esta experiencia surrealista y desorientadora es un corte o un primer plano de un objeto en movimiento inanimado al azar.
El objeto a menudo es inmaterial para la trama, pero estas tomas agregan elementos sensoriales que ayudan a crear el característico estado de ánimo de pesadilla de Lynch. El ejemplo más notable de esto es el ventilador de techo en Twin Peaks, que aparece de forma destacada en siete episodios del programa. El sistema de rociadores en la espeluznante abertura de Terciopelo azul es otro ejemplo memorable, como es la siniestra torre del reloj en El hombre elefante.
4 Martin Scorsese – La cámara en movimiento
Otro director que ha trabajado en innumerables géneros a lo largo de los años es Martin Scorsese. Independientemente del género en el que esté trabajando, sus películas tienden a tener una calidad cinética, que se define por ediciones discordantes de su colaboradora Thelma Schoonmaker desde hace mucho tiempo, así como una cámara que está en movimiento casi constante, incluidos los movimientos de cámara de barrido que aterrizan en un cara del personaje.
En El irlandés una escena tan simple como Jimmy Hoffa de Pacino testificando ante el Senado involucró un disparo de grúa en picada. Sus otras películas de la mafia emplean bastante esta técnica, pero también usa una cámara en constante movimiento en su drama de 1993. los Edad de la inocencia.
3 Steve McQueen: tomas de cámara largas y fijas
Las tomas de seguimiento y las cámaras en movimiento son impresionantes, pero también puede haber un gran poder en una cámara fija que captura una toma larga e ininterrumpida. Esto crea una cualidad voyeurista que el cineasta Steve McQueen ha dominado a lo largo de los años. En el devastador drama de 2011, Lástima, una cámara fija captura una primera cita incómoda en tiempo real, así como una de las muchas escenas de amor realistas de la película, que le valió a la película una calificación NC-17.
En su Oscar ganadora 12 años de esclavitud, McQueen usa este efecto con un efecto insoportable cuando a Solomon Northup lo cuelgan de una rama baja de un árbol y debe ponerse de puntillas para evitar morir ahogado. La toma dura 90 segundos, pero parece una eternidad.
2 Lars Von Trier – Cámara de mano
El director Lars Von Trier es conocido por crear controversia con sus películas, que a menudo tratan inquebrantablemente temas muy inquietantes. Parte de lo que hace que sus películas sean tan provocativas es que a menudo se filman utilizando técnicas de cámara de mano al estilo documental, que le dan a sus películas una sensación increíblemente realista, a pesar de que algunas de ellas son surrealistas en su contenido.
Von Trier llamó a este estilo de realización de películas “Dogme 95”, que co-creó con su colega autor danés Thomas Vinterburg. El “95” se refiere al año 1995 cuando Von Trier anunció este nuevo estilo de realización cinematográfica en la celebración del centenario de las películas en París.
1 Oliver Stone – Varias películas, lentes y paletas de colores
Otro cineasta que no es ajeno a la controversia es Oliver Stone. Sus películas también están impregnadas de una calidad cinética, a veces incluso frenética y caótica. Logra este estilo experimentando a menudo con diferentes materiales de película y / o paletas de colores en la misma película. En Asesinos natos, combina material de película de 8 mm, 16 mm y 35 mm, así como celuloide y video, para crear un efecto de collage desde el principio hasta el final de la película.
También utiliza diferentes películas en todo JFK y Nixon y combina paletas de color y blanco y negro en Tu turno. En 2012 Salvajes no solo cambia las paletas de colores, sino que también incluye imágenes de cámaras web y teléfonos móviles.